Nuestra Señora de Andalucía
Nuestra Señora de Andalucía
Esta obra es una de las más conocidas de Julio Romero de Torres, un genuino homenaje a los símbolos más populares de su tierra andaluza. Se trata de un cuadro al óleo y temple sobre un lienzo de 169 por 200 cm., que data de 1907 ejecutado inmediatamente después del viaje que hizo por Italia, Bélgica, Francia e Inglaterra, Marruecos y Suiza, que marcaría sus obras posteriores. “Nuestra Señora de Andalucía” tiene el valor de ser el primer cuadro que cuenta con una composición que tanto habría de discutirse al pintor cordobés: La foma de retablo. Esta forma procede del género pictórico dentro de la pintura religiosa llamado “Sacra Conversazione”, que consiste en representar una escena divina de manera más natural, uniendo personajes relacionados entre sí pero mostrándose de forma independiente en un mismo escenario.
La obra muestra cinco personajes, cuatro de ellos se encuentran sobre un reducido escenario mientras que el quinto, un autorretrato de Julio Romero, se encuentra justo delante del mismo a la derecha. Este porta un cigarrillo con un gesto elegante de la mano y, como los demás personajes, dirige su mirada hacia usted, tal vez identificándose como el director de la escena representada en este retablo pagano.
En el escueto escenario teatral posan sobre un paisaje costumbrista tres mujeres y un hombre detrás de ellas. Vagamente iluminados destaca el brillante vestido blanco de la figura central, que, según el autor, representa la “Divinación de la mujer andaluza”. A cada lado dos mujeres posan arrodilladas junto a ella en actitud sumisa. A la izquierda, y sosteniendo su manto blanco con las dos manos, una mujer de edad madura simboliza “La copla”, es la personificación del cante, una famosa cantaora de la época llamada Carmen Casena. A la derecha, una joven envuelta en un mantón rojo, que fue la famosa bailaora “La Cartulina”, simbolizando “el baile”. El hombre, que porta una guitarra, se situa detrás de ella a la derecha encarnando a “la música”, envuelto en una clásica capa negra española y cubierto por el típico sombrero cordobés.
La obra desconcertó al público de entonces, el cual no entendía que una gitana vistiera manto y se hincara de rodillas ante una muchacha sin divinidad alguna, por mucho que el pintor quisiera adjudicarle dicho rango. La actitud solemne de los personajes y esta interpretación simbólica nada obvia, encarnada por personajes de aspecto tan popular, tiñen la obra de una extraña conjunción de realidad y simbolismo, de misterios y esencia que serían una constante en los trabajos posteriores del pintor.
Como telón de fondo se aprecia una composición imaginaria inspirada en el paisaje cordobés, con elementos de la ciudad. Dos escenas en miniatura de amor y muerte tiene lugar en la llanura más cercana de este paisaje. Este miniaturismo, así como la utilización de arquitecturas situadas al fondo de los cuadros, nos recuerdan una clara influencia de los pintores cordobeses que vió desde su niñez en el museo de bellas artes.
Our Lady of Andalucia
This painting is one of the most famous works of Julio Romero de Torres. It is a genuine homage to the most popular symbols of his Andalusian homeland. The work is made of oil and tempera on canvas, measuring 169 cm by 200 cm. It was painted in 1907, immediately after the artist's trip to Italy, Belgium, France, England, Morocco and Switzerland, which marked his later work. Nuestra Señora de Andalucía (Our Lady of Andalusia) is the first painting in which the painter used for the first time the format of retablo, or altarpiece format. This format, used by Romero de Torres, which was often criticized, adopts the so-called religious painting Sacra Conversazione, which consists of representing a divine scene in a natural way, bringing together related characters but showing them individually in the same scene.
The piece shows five characters, four of them are found on a backstage while the fifth, a self-portrait of Julio Romero de Torres, appears on the right side. He is holding a cigarette with an elegant gesture and, like the other characters, he is staring at the visitor. Perhaps he is highlighting his condition of director of the scene represented in this pagan altarpiece.
Three women and a man behind them appear on a simple theatrical stage and pose in front of an landscape hat is a pictorial interpretation of local everyday life. The rest is barely illuminated, but the shine of the central figure’s white dress is highlighted. According to the author, she represents the deification of the Andalusian woman. At both sides, two women are kneeling down next to her in a gesture of submission. On the left side, a mature woman holds her white shawl with her hands. She is a famous flamenco singer of the time, Carmen Casena, symbolizes the folk culture and is the personification of flamenco song. In the right side, a young woman wrapped in a red shawl represents the famous dancer, “La Cartulina”, who symbolizes the role of the dance in the flamenco folk culture. The man with the guitar situates himself behind her to the right, personifying the musical role of flamenco. He is wearing a classic black Spanish cape and the typical Cordoba hat.
The public was disconcerted by this work, as they couldn’t understand why the gypsies would wear a shawl and kneel down before a girl who was not a deity, no mattered how much the painter wanted to give her that status. The solemn attitude of the figures and this complicated interpretation lend a strange conjunction of reality and symbolism to this work. The later works of the author would have an important essence of mystery.
In the background appears an imaginary composition inspired by the Cordoba countryside, with elements from the city. Two miniature scenes of love and death take place in the close prairie of the landscape. This use of miniatures, also used in the buildings at the back of the paintings, show of a clear influence from the Córdoba painters, at which Romero de Torres gazed in his childhood at the museum of fine arts.